Historia de la Música Electrónica (II Parte) Ron Hardy & Larry Levan

Proseguimos esta apasionante cita con los orígenes de la Música Electrónica. En esta ocasión, nos centraremos, principalmente, en las figuras de unos colosos de la Música, llamados Ron Hardy & Larry Levan.

Los artistas que impulsarían la House Music, tomaron aquellos vinilos de disco y extrajeron a voluntad sus sonidos, conformando una nueva realidad musical que revolucionaría las pistas de todo el mundo. David Mancuso fue precursor del movimiento al crear (en 1970) las ilustres fiestas privadas en el mítico The Loft (New York), donde se accedía exclusivamente por invitación.

Una de las leyendas de la Música Electrónica fue el gran Ron Hardy. Persona sin igual, dejó imborrable huella entre los afortunados asistentes a sus espectáculos sonoros. Se dice que fue el primero en mantener una sesión con vinilos, mesa de mezclas y magnetófono de manera prolongada. Era quien de repetir un disco durante varias ocasiones a lo largo de la noche. Simplemente porque le apetecía. O de permitirse el lujo, por aquel entonces, de pinchar a +8 un tema de Stevie Wonder. Volvía loca a la pista. Comenzó su carrera en 1974, en un club gay de Chicago llamado Den One En 1977, Ron Hardy trabajó codo con codo junto a Franckie Knuckles en el mítico Warehouse, que cerró en 1982, siendo rebautizado posteriormente (por Robert Williams) como The Music Box.

Ron-Hardy-platos-mesa

 Ron Hardy fue una persona con graves problemas de adicción a la heroína, lo que conllevó su pronta retirada en 1.986. Es probable que su enfermedad alterase de tal modo el tempo de sus sets, que éstos, en ocasiones, iban exageradamente acelerados, debido a la percepción alterada del Disc-Jockey, el cual sentía la música como si fuese realmente más lenta. También poseía un don especial a la hora de sentir la energía de la música, algo que conseguía reflejar a su público. Mezclaba una amplia variedad de estilos: Disco, Italo Disco, New wave, Rock, y la verdad es que, técnicamente, aún siendo muy tosco, conseguía resultados que nadie obtenía. Poseía una magia especial a la hora de mezclar música.

 Un clubber de la época (Cedric Neal) nos narra fervientemente lo que recuerda de “Music Box”: “La primera vez que me encontré con fiestas de baile fue en el 82. Ese mismo año conocí Music Box“, dice. “Estábamos a conduciendo alrededor de la zona y nos preguntábamos por qué todas esas personas estaban ahí afuera, a la una de la mañana, y seguían hablando de ese chico: Ron Hardy. Entonces decidimos hacer cola como todo el mundo, y ese hecho de alguna forma me cambió la vida, porque era la primera vez que lo vi actuar ¡y era increíble!

Ron Hardy también cambiaría la percepción de una futura leyenda como Marshall Jefferson. En sus propias palabras, afirma: “”Yo ni siquiera estaba en la música de baile antes de ir a “Music Box”, dice riendo. “Estaba inmerso en la escena del rock and roll. Nos emborrachábamos y escuchábamos rock. No nos importaba nada  un carajo, éramos como ‘Disco Sucks!” Y todo eso. Yo odiaba la música de baile porque  no podía bailar. Pensé que la música de baile era un poco cobarde, hasta que oí el volumen de Music Box. ¡Vaya volumen! La forma en la que actuaba Ron Hardy era impresionante. Nunca había escuchado música a ese volumen desde entonces. Fue realmente increíble. Y en 15 años jamás he oído hablar de un solo club que estuviese cerca de ese volumen, y la verdad creo que eso no sucedió porque de lo contrario hubiesen tenido un montón de demandas por lesiones auditivas. Debido a que el sonido de Music Box era tan fuerte en cualquier lugar del club, no sólo en la pista de baile, en cualquier parte del club, el bajo te podía mover a ti físicamente”.

En palabras de Dj Pierre: “Me recomendaron ir al Music Box. Un amigo me llevó hasta allí y aluciné.  Escuché canciones de Larry Heard realizadas con cajas de ritmos y todo eso. Tenía la piel completamente de gallina y me decía a mí mismo ¡esto es una locura! La gente gritaba el nombre de Ron Hardy como nunca había oído en ninguna otra parte. Escuché anteriormente a otros djs, pero no les gritaban de esa manera. Era un espectáculo impresionante. Lo definiría con una palabra: energía”.

Ron Hardy pinchaba canciones como Talk TalkIt´s my life

la canción del “abc”

“Sweet Dreams”, de Eurythmics, era una de sus favoritas…

También este clásico del grupo británico “Visage”:

Hacía ediciones en vivo de canciones, las cuales eran profundamente repetitivas. Combinaciones de una inmensa energía con ritmos en clave de repetición. Ese era Ron Hardy.

Uno de los clásicos que no faltaba en Music Box era Eddie Kendricks – “Going Up In Smoke“. También solía poner algún tema de Nitzer Ebb.

Hasta tal punto Ron Hardy fue una figura crucial en la Música Electrónica, que Dj Pierre aseguró que si “Acid Tracks” no le entusiasmaba, sería el final del Acid. Por fortuna, le apasionó el tema y el resto es Historia. Con el transcurso del tiempo, Ron se inmiscuyó con mayor intensidad en el terreno fangoso de las sustancias. Poco a poco su fulgurante luz se fue apagando. En 1992 Ron Hardy falleció, casi en el completo anonimato. Ha sido el gran olvidado. No se celebraron conmemoraciones. De todas maneras, una impronta espiritual quedó impresa en el corazón de muchos afortunados, que pudieron vivir a su lado las eternas y mágicas noches que ofreció, con gran tesón, Ron Hardy.

Quedan para el recuerdo el serial de discos propulsados por Theo Parrish, “Ugly edits”, basados en edits del gran Ron Hardy, así como unos Bootlegs inéditos que aparecieron.

Larry-Levan-mezclando

  En un paraíso sonoro imaginativo sin precedentes, diversos estilos comenzaron a fraguarse sinérgicamente. La   Música Disco fue, inicialmente, sustentada por un público mayoritariamente de etnia negra y de tendencia gay, siendo un vehículo para adaptar el Rhythm & Blues a la pista de baile, desposeyéndolo de toda connotación racial. En 1971, Nicky Siano abre el club “The Gallery” en New York, influyendo en artistas del calibre de Loleatta Holloway, Grace JonesD.C. La Rue, Larry Levan o Frankie Knuckles 

The-Gallery-New-Vinyl-Order

El 26 de Abril de 1977, abre sus puertas en New York el mítico “Studio 54”, pieza fundamental del hedonismo de la época. Según se comenta, entrar en ese club no era tarea fácil; incluso la cantante Cher, en alguna ocasión fue víctima de los caprichos del dueño, Steve Rubell, quien no dudaba en ponerse en la puerta para decidir quién accedía. Tampoco pasaron el filtro personajes tan ilustres como Frank Sinatra, Woody Allen  o , aunque las crónicas apuntan a que sí eran asiduos al local.

Cher-Studio-54

 

No fue hasta la reproducción pública del éxito cinematográfico “Fiebre del Sábado Noche” (1977), con John Travolta como estrella fundamental, que la música disco se volvió popular. Paralelamente, el socio de Mel Cheren , Michael Brody, tuvo la idea de un nuevo modelo de club. En él, no habría distinción de razas o sexo;  en definitiva, se quería unificar a las personas en pos del sentimiento musical. Acababa de entrar en escena un peso pesado: Larry Levan.

Caracterizado por una pasión por la música sin igual, Larry Levan fue una figura que lanzó como nadie lo que hoy en día conocemos como Disc-Jockey. Según cuentan los que vivieron tan fascinante Historia, era capaz de parar la música durante decenas de minutos para proceder a limpiar los cristales de las bolas que tendían del techo del templo “Paradise Garage”. También es sabida su obsesión por la ubicación de los altavoces, los cuales eran colocados y recolocados hasta varias veces a lo largo de la noche. Le importaba cada detalle para que cada noche fuese mágica y diferente a la anterior. Él establecía las reglas, era todo un revolucionario visionario. Volvía loca a la gente. Podía manejar casi a su antojo a grupos de baile situados dentro de la discoteca. Su selección musical contenía piezas de Disco, Soul, Funk y cualquier base rítmica que se le ocurriese.

Paradise Garage  abrió en Enero de 1978, siendo el mejor local de New York. Tenía el mejor equipo de sonido y de luces, además de poseer una estética propia y, sobre todo, una filosofía que jamás ha tenido ningún otro club hasta la actualidad. Por muy extraño que nos parezca, allí no se vendía alcohol y todo el equipo de la sala estaba profundamente implicado en ella.

¡Larga vida a Ron Hardy & Larry Levan!


 

Entrevista a PELACHA

Pelacha-pinchando

Esperanza Camacho, más conocida como PELACHA, es probablemente la dj más carismática de España. Con un largo historial en las cabinas de nuestro país, también traspasó en varias ocasiones nuestras fronteras. Awakenings Festival, Equaleyes (Austria), Flashforward (Bélgica), Bullitt Club (Alemania), “Kinetic Night”, Tresor (Berlín),  “La Bete Noir” (México), “La Bete Noir” (México), “La Ruche” (Suiza), “La Ruche” (Suiza), y, recientemente,  Fábrica de Arte Cubano (La Habana, Cuba).

Siempre fiel a su estilo predilecto (el Techno), se caracteriza por realizar sesiones muy dinámicas, reflejando la diversidad de estados de ánimo por el que todo ser humano transita. Sin más preámbulo, vayamos con la entrevista…

NVO: Es todo un honor para este blog estrenar la sección de entrevistas a djs españoles con una persona de tu trayectoria. ¿Cuál fue tu verdadero “Leitmotiv” para iniciarte en el mundo de las mezclas?

Pelacha: La música siempre la he considerado una medicina para el alma. En un momento de mi vida en el que se me pusieron las cosas difíciles, encontré en el arte de mezclar un verdadero alivio de mis emociones más profundas, a la vez que podía comunicarme a través de la música con la gente más insospechada, sin necesidad de crear un vínculo de amistad.

NVO: ¿Cómo has visto el desarrollo de la “Cultura DJ” desde tus inicios hasta la actualidad?

Pelacha: Creo que la “Cultura DJ” sólo es una, todo lo demás es puro marketing.

NVO: Eres una entusiasta del vinilo, aunque no por ello desconoces la multitud de posibilidades del entorno digital. ¿Cuál es tu relación con ambos formatos y qué destacarías de cada uno de ellos?

Pelacha: El vinilo es la herramienta con la que me he construido como dj, y por lo tanto es como yo me siento mejor, sin duda. Además, toda mi música la tengo en vinilo y puedo desarrollar sesiones mucho más profundas, siento más el sonido, pues el digital, al ser binomios de “ceros y unos”, se convierte en una especie de imitación, la cual pierde muchos armónicos y  transientes; el sonido es más frío, y aunque en apariencia es más perfecto a oídos de las nuevas generaciones, en realidad está más automatizado todo y  tiene unas funciones mas mecánicas.

En definitiva, para mi, es mucho más lo que un dj puede dar en vinilo que en digital, pero está claro que el digital es hacia donde nos lleva la vida y que, además, este es mi trabajo desde siempre, y en casi todas las salas tienen los equipos ecualizados para este formato, así que la sensación de cierto público es que no estas a la altura (cuando en realidad, todo es propicio para el dj digitalizado). Por ejemplo, unos platos con una mesa Xone 92 de Allen & Heath, que es una mesa digital, nunca podrán ser aprovechados. No es una configuración propicia y en apariencia es como si el dj no fuese capaz de sacar el mejor sonido posible. Debido a estas vicisitudes, en ocasiones también pincho  con cdj (siempre en opción vinilo) promos de mis amigos (Christian Wunsch , Error Etica , Hd Substance , Heiko Laux … etc,  y mías).  Algún ep o álbum que compro de sonido Birmingham, lo meto en el pendrive sin pasar por Rekordbox.

El caso es que alguna vez me comentan “pero así no se te dibuja la onda”, y yo contesto: “pincho con el oído, no con la vista”… Hay gente a la que le cuesta entender esto. Ya que estoy pinchando en digital, al menos quiero disfrutar de la sensación de pinchar. Para mi, es lo importante.

NVO: Háblanos de los comienzos de tu sello, Redsonja Records

Pelacha: Comenzó en 2010. Preparé una especie de proyecto y lo presente a las distribuidoras que tenía en mente. Hablé con algunos productores que admiro, llegué a un acuerdo y tiré para adelante. Boris Divider  fue mi profesor durante un tiempo, y me decía que era importante finalizar los temas (así que empecé a ver que tenía material y me lancé). Tampoco me gusta estar enviando temas a otros (me gusta más arriesgar creando mi propio camino). Me fascina lo que hago y trato de crecer todo lo que puedo. Tener tu propio sello es todo un reto.

NVO: En tus sesiones combinas los elementos más rítmicos, viscerales y oscuros con armonía y presencia de melodías. Deduzco que ante ese escenario sonoro te desenvuelves mejor en periodos extensos y no en actuaciones de una hora. ¿Es la progresión algo que te define como dj?

Pelacha: Para sesiones largas, sí, me muevo en ese terreno que comentas.  El club, como concepto, se adapta perfectamente a mi visión del Techno, y en el desarrollo sesiones con diferentes matices, in crescendo hasta alcanzar la plena comunión con mi público.

NVO: El panorama Techno actual y el futuro que le aguarda es todo un misterio. Según la visión personal de cada cual, se podría enfatizar el fenómeno perecedero de las masas (con la consecuente falta de solidez en la escena) o el creciente interés de las nuevas generaciones, que no dudan en recorrerse media Europa para ver a sus artistas favoritos. ¿Piensas que no hemos sabido transmitir bien el mensaje los de generaciones anteriores?

Pelacha: Dudo que no hayamos transmitido bien el mensaje. En definitiva, esta música y su escena siempre fue Underground, lo que creo es que algún empresario ha visto un filón y han masificado ciertos aspectos (creando, además, djs de mentira), aunque la realidad es que esto es un modo de vida, una manera de desenvolverte como persona, y no es tan fácil como algunos lo venden.

NVO: Tu plena conexión con The Zenobit3 desprende energía por los cuatro costados. ¿Qué os aportáis mutuamente?

Pelacha: Como he dicho en la anterior respuesta, al ser un modo de vida, en realidad conlleva muchos sacrificios, porque tal y como se entiende este oficio en nuestra sociedad (nos catalogan de “bichos raros”) digamos que ciertas actitudes que tomamos las personas que vivimos en cuerpo y alma de ello nos dificultan  mantener una relación estable. Es difícil de entender la filosofía que viene aparejada en este trabajo. A veces somos incomprendidos en nuestra propia familia y en el círculo de amistades, ya que la imagen que se proyecta al exterior del mundo dj es “juerga y fiesta”. No comprenden que estás realmente trabajando y cobras por ello. Joaquín y yo nos entendemos muy bien en este aspecto y nos nutrimos musicalmente, además de que estamos enamorados.

NVO: Finalmente, háblanos de tu agencia, Stelar Booking. ¿Cuál es vuestro secreto para estar en constante actividad?

Pelacha: La agencia la gestionan mis hijas. Ellas son muy jóvenes, han estudiado artes y ciencias audiovisuales. Están muy activas en el mundo de las redes sociales. No llaman a un promotor para vendernos, simplemente crean con nuestro arte de la mezcla y con nuestra “figura de artista” un puente que nos mantiene activos constantemente. También les enseñé desde hace tiempo a hacer música.

Un placer.

NVO: Igualmente, Pelacha

“Impulsse”, nueva iniciativa Techno en Galicia.

Impulsse

Página oficial de Facebook

“Con los objetivos de crear un nuevo espacio para los amantes de la música electrónica, ayudar a desarrollar la cultura musical de nuestra comunidad y potenciar el talento de los artistas gallegosKonekt Producciones presenta IMPULSSE EVENTOS, la nueva sesión de Techno en Galicia.

Hoy Impulsse ve la luz, hoy tenemos un nuevo miembro en la familia del Techno, hoy generamos una nueva ilusión y un compromiso, pero han hecho falta 14 meses para que la idea se volviera proyecto y luego realidad. Porque si, es realidad, Impulsse nace hoy y llega para quedarse, para intentar sumar y aportar, para soñar y disfrutar, …. para tod@s vosotr@s, porque desde el respeto tod@s tenemos cabida”.

Así se presentaba recientemente este nuevo proyecto que tiene en vilo a los amantes del Techno en Galicia. Últimamente, asistimos a una renovación dentro del panorama electrónico, con propuestas tan interesantes como Go Events! Trax Club Wildlife o  Fanzine

“New Vinyl Order” se pone en contacto con uno de los responsables de “Impulsse“, Rucho Veiga , para hacerle unas preguntas acerca de este interesante y prometedor regreso al “Templo Gallego” (antigua Octopus).

Octopus


New Vinyl Order: Hola, Raúl. En los últimos años, el Techno parece estar despertando. A pesar de no contar todavía con una cantidad de público necesaria para abarcar todos los eventos que se realizan,  estamos de enhorabuena. Octopus Clubbing Series, Oh Zone, Fanzine,    Go Events…

¿Qué opinas?

Rucho Veiga: Hola!!! En primer lugar, gracias por la entrevista.

Parece que estamos de enhorabuena porque existen opciones. Hay promotoras de largo recorrido y promotoras nuevas que apuestan por el género, hay nuevas hornadas de djs/productores y verdaderos amantes del Techno. Parece que la nueva generación del Techno  está ahí, pero el tiempo dirá si es suficiente para la oferta actual de eventos.

La otra cara es que el Techno  parece que está de moda y eso no es bueno en mi opinión; al igual que muchos se bajaron del barco en los malos tiempos, ahora otros tantos y más se suben, no aportan, confunden y sobre saturan.

New Vinyl Order: ¿En qué aspectos queréis diferenciaros del resto de promotoras?

Rucho Veiga: No sé si diferenciarnos, pero dar una opción, aportar desde el respeto, la pasión y el trabajo, programar con cierto criterio musical y apoyar a los artistas gallegos.

New Vinyl Order: Contar con una gran sala, como sin duda lo fue “Octopus“, os da la posibilidad de expresaros en diferentes niveles. De dar vuestro máximo potencial.

¿Cómo afrontáis ese privilegio y responsabilidad?

Rucho Veiga: Con mucha ilusión…..y mucho trabajo.

Este proyecto nació con mucha ilusión y poder trabajar en esta sala sin duda ha sido la guinda por lo que en su día fue. Nuestra idea no es volver a ser nada que ya es pasado, por eso la responsabilidad es la misma que en cualquier otro club.

Lo que nos permite una sala como Chanteclair, es dar un paso adelante, ofertar eventos con varios artistas y a un precio razonable para el público.

New Vinyl Order: El “Hazlo tú mismo” parece ser un viejo principio que no deja de estar en constante actualidad. Si algo no te convence, créalo.

¿Se trabaja más a gusto sin depender de que otros te llamen y decidan por ti?

Rucho Veiga: Son cosas diferentes. A veces te toca trabajar en condiciones que no dependen de ti, vas y haces tu trabajo, pero esto no implica que no estés a gusto.  Hacerlo tú mismo creo que es la forma de expresar tus ideas, y cuando tienes un proyecto, sobre todo si es un apuesta fuerte, creo que debes ir con tu idea hasta el final y no dejar nada al azar. Esto, al depender de otros es inviable, claro.

New Vinyl Order: Háblanos un poco de todo el esfuerzo que conlleva estar 14 meses gestionando “Impulsse“.

Rucho Veiga: Mmmm… Bueno, Impulsse  son las ganas de dar un paso adelante. Tras un tiempo programando en clubs más pequeños, empezó a surgir la idea de llenar el vacío de un gran evento de Techno en Galicia. En un primer momento, el proyecto estaba destinado a hacerlo fuera de un club, en formato festival y con una feria diurna. Dar forma y diseñar  todo el evento ya supuso muchas horas de trabajo, pero conseguir que las administraciones nos escucharan sin duda retrasó el proyecto. Tras varios intentos y reuniones, conseguimos que un ayuntamiento albergase este evento. Fecha y recinto decididos… imagínate la ilusión del momento… pero finalmente se echó atrás. En este tiempo de espera no estuvimos parados, decidimos tener un “plan b” y  fuimos diseñando un proyecto para club, buscando y visitando salas por todo el norte peninsular hasta encontrar la mejor opción. Una vez encontrada la sala, ya nos pusimos a trabajar en 2 eventos para antes de este verano, y esto fue hace 4 meses creo.

Muchísimo tiempo invertido y muchos altibajos, pero finalmente aquí estamos.

New Vinyl Order: El cartel para el próximo sábado 12 de mayo de 2018 es una clara apuesta por el Techno más oscuro, metálico, atmosférico; en definitiva, artistas que condensan los sonidos de los años dorados de esta música, aprovechando las herramientas tecnológicas actuales.

¿Es una declaración de intenciones o estáis abiertos a otro tipo de estructuras rítmicas?

Rucho Veiga: Declaración de intenciones, apostamos por el Techno y será el sonido predominante en nuestros eventos. Intentaremos combinar artistas que expongan diferentes vertientes musicales, pero siempre enfocados en el Techno.

New Vinyl Order: También destaca la inclusión de artistas gallegos. Me atrevería a decir que estáis inculcando un modelo más basado en el mérito y no tanto en lo que podríais obtener a corto plazo del “line up” (intercambios).

¿Crees que es importante confiar en el trabajo del dj y no tanto en el artificio de Marketing que éste haya creado?

Rucho Veiga: He visto cómo muchas veces el talento era lo último que contaba a la hora de escoger djs para un cartel/evento, y esto ha sido, en mi opinión, parte culpable del deterioro de la escena. Siempre he creído que es más importante valorar el mérito, el esfuerzo y la pasión, antes que una cifra de “likes” o “gigs”….. no veo la razón para cambiar de opinión cuando me encuentro al otro lado.

En las ultimas semanas hemos recibido muchos mensajes de artistas, nos dejan su material e ilusión. Inevitablemente, me hace recordar cuántas veces lo he hecho yo, y más me reafirma en la idea del apoyo al talento por encima del “quién”.

New Vinyl Order: Gracias por la entrevista, Raúl, y mucho suerte con el proyecto.

Rucho Veiga: Gracias a ti Manuel!!! Gracias por el apoyo y mucha suerte con tus proyectos.

 

Entrevista a Luis Ruiz (Subsequent Records, Argentina)

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Luis Ruiz, argentino influenciado por los sonidos “Acid House” de los 80, lleva dos  décadas entregado al Techno. Es dueño del sello Subsequent


 

NVO: Buenas tardes, Luis. Un placer compartir contigo impresiones sobre la Cultura Techno. ¿Cómo viviste esos primeros momentos del Acid House, enlazados con tu niñez?

Luis Ruiz: Fue en el año 1994. Mis acercamientos a disquerías locales por aquellos años, investigando horas y horas hasta que era el sonido del Roland TB303 el que me llamaba la atención sobre todas las cosas. Hipnótico a primera vista/oído. Y hoy día persiste esa misma emoción de niño. Y el amor a las cajas que hoy día sigo usando, 909, 808, 606, 707 y 727, instrumentos que hicieron posible al “acid house”, también muy compatibles con el techno. Podría mencionar la escena de Chicago como la más influyente…Luego Detroit con el Techno. Sonido americano 100%.

NVO: ¿Cómo crees que actúa la música que procede de lo más hondo del artista?

Luis Ruiz: Es interesante descubrir estados de ánimo y conseguir manifestarlos en la música, traducirlos en música de baile, o quizás en música de meditación y elevación espiritual. Valoro a los artistas que exprimen al máximo no sólo sus cualidades técnicas, sino que tratan de explicar algo más que radica un cambio de conciencia utilizando la música. Hay que dejar de lado cuestiones de la psique, entornos sociales y darle más valor al devenir individual. Revolución.

NVO: Tu visión del Techno, tus producciones y sets, siguen una línea muy marcada. Los mundos ocultos, velados para aquél que los ignora implícita o explícitamente, parecen tomar sentido tras una escucha activa de tus trabajos. ¿Es la música “el lenguaje de los dioses?

Luis Ruiz: La música para mi es un medio de conexión espiritual, aquella expresión artística para tener la posibilidad de desarrollarme en mundos literales, filosóficos y mitológicos. En mucha de mi discografía hablo de diversas culturas ancestrales que han pasado por la Humanidad, otros mundos, seres que bajaron del Cielo a la Tierra, y nos dieron El Conocimiento para desarrollarnos como Civilización. No soy de englobar al “Universo” como medio de influencia cada vez que compongo música, sino algo más cercano, nuestro origen de la vida, nuestro ADN, nuestra forma de aceptar a la música desde lo más profundo. Mi sello “Orioni” hace referencia al lugar de origen de los Dioses Antiguos donde varias culturas antiguas, señalaban tal constelación como punto de partida del inicio de la vida.

NVO: Existen artistas que prácticamente llegan al evento cuando les toca su turno. Otros, por el contrario, gustan de percibir hasta el más mínimo detalle. ¿Con qué tipo de atmósfera te apasiona encontrarte al llegar a un club?

Luis Ruiz: Una mezcla de ambas. Depende qué tipo de clubes. Prefiero los lugares  “underground”, con pocas luces, en lo posible que sea sótano. Por eso me condiciona mucho ir a clubes donde la atmósfera principal es absorbida por esos impulsos que tengo de la visión Techno como resistencia, de adherirme a clubes con un aspecto más genérico, el formato “boliche-discoteca”.

NVO: Háblanos de “Subsequent”, la plataforma desde la que impulsaste tus inquietudes musicales y relanzaste tu carrera artística.

Luis Ruiz: Subsequent lo fundé por el año 2009, la mentalidad de resguardar al Techno Old School contra las nuevas corrientes minimalistas de esa época,  muy similares a las actuales del 2015. Hoy en día, en nuestro sello, luchamos con esa misma resistencia al sonido mainstream de expansión, como por ejemplo las transmisiones online masivas de tal genero Techno, festivales donde se rejuntan una “elite” de un producto/dj/escena/sonido homogéneo y demás medios de marketing para intoxicar de forma consumista al humano.

Subsequent fue el primer sello Techno puro argentino. No minimal, no dub. ¡Techno, Hardtechno y Acid!

NVO: Luis Ruiz es un tipo de artista especializado en crear música. Te sientes más cómodo con tus aparatos que en un dj set, digamos, tradicional. ¿Piensas que ambas facetas son de difícil conciliación?

Luis Ruiz: Me siento cómodo haciendo un Live Pa, podría pinchar música como Dj, pero considero que puedo lograr un espectáculo más fluido con mi propia música. He dedicado casi dos décadas a ésta actividad de músico, y sigo perfeccionándome en cada performance. Hay muy buenos djs en Argentina, dejo tal actividad para ellos, dos de mis favoritos actuales son Farceb y Jam-On, ambos han participado de mis dos discográficas como productores también.

NVO: ¿Cómo es el circuito de clubes de Argentina, y qué diferencias encuentras respecto a, principalmente, Europa?

Luis Ruiz: En Argentina la cuestión de clubes es similar a la de cualquier parte del mundo: a todos les importa facturar y sobrevivir sin importar mucho el concepto musical/cultural. Ya no es Techno puro, incluso lo veo muy ligado al House y otras vertientes, pero Techno purista casi ningún club, al menos en Argentina, no existe.
El único lugar donde me sentí en mi máximo esplendor, fue en Cocoliche, lugar donde trabajé 2 años, con toda comodidad. Podía expresarme libremente sin tener en cuenta la influencia musical “mundial” actual y corrientes, yo pinchaba Techno, Hardtechno y Acid a 135 bpm. Fue la mejor época del Techno en Argentina hasta el 2014. Actualmente no hay otro lugar que llegue a ese nivel. No culturalmente. Prefiero presentarme en fiestas mas underground, donde se vive el verdadero espíritu del Techno. Es fuera de los clubes y alejado de las metrópolis. Si bien la escena en Argentina está destruida, en el 2014 tuve la oportunidad de tocar en tres fiestas donde se impulsó ese movimiento de resistencia. Bunkr (en Mendoza), Horror Techno y Vincent. A tener en cuenta las nuevas crews de Argentina. ¡Espero que surjan más grupos de resistencia Techno!

NVO: El Techno ha pasado, en los últimos años, por un período de aparente desidia. Llegó a estar mal visto creer en sonidos duros. Ahora parece que la vuelta a los orígenes es inevitable. Se auguró, incluso, la desaparición del formato vinilo. Afortunadamente, no se cumplió. ¿Cómo vislumbras el futuro a medio-largo plazo?

 

Luis Ruiz: El Techno mundial ha cambiado mucho estos últimos años, del Hardtechno al Dubtechno, o nuevas formas de sci-fi con poco cuerpo. Obviamente, diversos sellos, crews y clubes se adecuan hacia donde va la corriente. Los promotores no quieren perder dinero, no se animan a apostar por sino el género que predomina…También muchos dejaron de existir, distribuidoras, sellos, etc. La industria musical está condicionada por ésta transición, pero por suerte cada vez mas “pequeños” sellos que se animan a publicar lanzamientos con mas influencias de sonidos duros. “Orioni” es uno de ellos, ¡y es de Argentina!
Tengo confianza  en que el vinilo seguirá existiendo, de hecho éste año haré varios lanzamientos en dicho formato en mis discograficas.

NVO: Explícanos brevemente el set up con el que estás trabajando últimamente.

Luis Ruiz: Utilizo sintetizadores analógicos tales como el Korg MS20 y un clon de TB303. Sintetizadores digitales de FM síntesisYamaha (Dx200), drumcomputers como la Roland TR8 y Electribe R-MkII, procesadores de efectos, pedales, también software y una interfaz digital de alta calidad de grabación, un sequencer y algunos procesadores de mezcla, y sistemas modulares. Muy poco utilizo métodos sampling, algún que otro elemento cuando tengo que hacer un remix. ¡Pero prefiero 100% los métodos por síntesis!

set up

Luis Ruiz: Larga vida a los sellos que publican su arte en vinilo! Muchos éxitos con el proyecto!

https://www.facebook.com/luisruiz.officialpage

Website: www.luisruiz.com.ar

La nueva generación TECHNO en España

¿Alguna vez te has preguntado quiénes serán los depositarios del mensaje Techno cuando los máximos representantes actuales no estén en activo? Esta apasionante música y estilo de vida es todavía muy reciente, aunque sus raíces se remontan a finales del SXIX, como demostramos en este artículo sobre los orígenes de la Música Electrónica

El tiempo pasa inexorablemente, y a la vez que los grandes iconos del Techno se consolidan e involucran en diferentes proyectos, es indudable que en algún punto se establecerá un relevo generacional. En este artículo se destacarán algunos de los productores y djs españoles que llevan años luchando fuerte por ofrecer un trabajo serio y personal. Muchos factores dependen de sus futuros logros. Normalmente, se obtiene fruto de lo sembrado.

ADRIANA LÓPEZ

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Adriana-López

El arduo trabajo de Adriana, desde sus inicios en 1998, la ha convertido en uno de los artistas más respetados del panorama internacional. Vinilos o cds: en ambos formatos es una delicia del buen hacer a los mandos de una cabina.

AIKEN

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Aiken

Uno de los nuevos embajadores del Techno español. Con su sello, Timeline, lleva varios años conquistando a los clubbers de medio mundo.

P.E.A.R.L.

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PEARL

Santanderino, ubicado actualmente en Berlín, es uno de los productores españoles más en forma. Perteneció a Agony Forces

THE TRANSHUMANS

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The-Transhumans

De procedencia gallega, viven en Berlín desde hace años. Una música muy elaborada, con personalidad y con unos ideales muy claros.

KASTIL

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Kastil

Mario Kastil, propietario del sello Soul Notes, realiza un arduo trabajo con su amplia artillería del estudio, la cual da sus frutos en geniales producciones Techno y Hardechno, empleando en algunas de ellas fabulosos ritmos sincopados.

SHURKO LOVE

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Shurko-Love

Incansable dj y productor madrileño, con un largo bagaje en tierras coruñesas y salmantinas. Conoció todas las cabinas de la ciudad herculina, como “Joy Slava“, “Oh Coruña“, “Aeroclub“, “Planeta“o “Velvet“. Estuvo inmerso en el proyecto giratoria, asociado al mítico “Subma” de Salamanca. Se inició con los cálidos y tribales ritmos House de finales de los 90, y también con las rudas estructuras rítmicas del mítico Soma de Madrid

En 2006 se tomó en serio la producción, convirtiéndose en un gran experto de “Ableton Live“. No fue hasta el 2011 cuando sus ideas se plasmaron en formato oficial. Sonidos “Deep“, “House” y “Dub“. Continuó su carrera en 2013, apoyado por el sello “Benzel Label

En 2015 fue incluido en un sello de Grecia

El momento cumbre en la vida musical de Shurko Love fue la aparición de su tema  “The Moment”  en una sesión de Laurent Garnier.

RADIO TRANSMISSION

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Radio-Transmission

Pedro Viñuela tiene una larga trayectoria como ingeniero de mastering. Actualmente, está involucrado en un ambicioso proyecto centrado en las máquinas analógicas.

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DR CYANIDE

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Dr-Cyanide

De nuevo desde Madrid, José Chacón a.ka. Dr Cyanide es una fiel representación del concepto underground. Conoció el movimiento Techno en 1996 y jamás se plegó ante las modas. Gran apasionado del hardware, pronto estableció su sello Hard Tools Records como centro de operaciones de sus inquietudes musicales, centradas en la interacción entre ser humano y máquina.

 

HÉCTOR OAKS

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Héctor-Oaks

Madrileño afincado en Berlín. Está en la maleta de los mejores djs del mundo. Techno y Hardtechno de muchos kilates.

JLG

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JLG

Javier LG lleva media vida involucrado en la escena Techno. Amante de los sonidos industriales y “Birmingham”, se caracteriza por su seriedad (tanto musical como de actitud en cabina). Un trabajo muy sobrio, valorado por las mentes más brillantes.

En 2008 inició su propio sello, Substance

Recientemente, publicó su trabajo en el prestigioso sello inglés ““Symbolism” 

HÉCTOR MAD

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Héctor-Mad

Uno de los más brillantes mezcladores españoles en la actualidad. Empleo enérgico de los 3 platos, unido a una técnica elaborada. 20 años a los platos, se notan. Si todavía existe un mínimo de criterio en este país, llegará lejos.

JOTÓN

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Joton

Sin duda, uno de los mayores candidatos a ejercer ese relevo generacional. Una carrera musical con gran progresión. Toda una vida dedicada al Techno, desde sus comienzos en “PK2” (León), hasta su reciente álbum.

RAÚL PARRA

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Raúl-Parra

Uno de los “niños prodigios” del Techno en España. Sorprendió a propios y a extraños con su impecable técnica a los platos. Actualmente, ya con más madurez, está dando mucho que hablar…

JOSÉ POUJ

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José-Pouj

Este castellano de pura cepa lleva una década entregado a los sonidos obscuros e industriales. Siguiendo la estela de artistas como Exium, Mulero y Reeko, va camino de convertirse en una pieza clave de aquí a pocos años. Tiene su propio sello Injected Poison

KIKE PRAVDA

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Kike-Pravda

Veterano dj de la escena del País Vasco, no cesa en su ímpetu de propagar los sonidos duros, minimalistas, atmosféricos e hipnóticos. Desde su plataforma Senoid sigue peleando para mantenerse en la brecha.

PSYK

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Psyk

Manuel Anós deja el pabellón español bien alto cada vez que plasma en formato analógico o digital sus inquietudes artísticas. Sellos tan prestigiosos como Tresor, Mote Evolver, Drumcode, Figure, CLR o Modularz, cuentan con sus trabajos.

Non Series es de su creación.

TADEO

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Tadeo

Uno de los grandes de la escena de Madrid. En los 90 cogió impulso como aficionado a la Música Electrónica para afianzarse a mediados del 2000. Es un experto en el manejo de todo tipo de herramientas de producción sonora. Ha editado en los mejores sellos españoles e internacionales.

KWARTZ

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Kwartz

Joven talento de Madrid, ya firma vinilos en los mejores sellos del mundo, con un sonido cada vez más depurado. Una gran promesa para el Techno en España.

LEIRAS

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Leiras

Cántabro afincado en Berlín. Muy buena música desde su propio sello Ownlife 

NX1

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NX1

Dúo compuesto por Surit y   Samot. abarcan desde sonidos Dub, Techno y Hardtechno.

Por ejemplo, este tema bien lo reproduciría el maestro Jeff Mills en una de sus antológicas sesiones de los 90.

SCAN MODE

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Scan-Mode

Alberto se inició a los platos a finales de los 90, en la localidad salmantina de Ciudad Rodrigo. Su destacada labor le hizo progresar, hasta el punto de ser charteado por grandes artistas nacionales e internacionales. Editó en el conocido sello Theory

Su abanico musical es amplio. En 2013, fundó el sello Raw Rootz (junto al buen mezclador granadino Álvaro Sánchez).

Ahora mismo, está involucrado en un nuevo proyecto: RNGD

ÁLVARO SÁNCHEZ

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Álvaro-Sánchez

Álvaro Sánchez es un todoterreno del Techno andaluz. Descubre la Música Electrónica a mediados de los 90, comenzando como dj en 1999.

Tras pinchar en algunas de las salas y festivales más importantes de España, en 2011 comienza su residencia en Industrial Copera, sala en la que continúa en la actualidad, en su nueva localización.

En 2012, inicia el proyecto Raw Rootz junto a Scan Mode. Sello discográfico exclusivo en vinilo y formación musical centrada en el house clásico llegando a alcanzar el Top 1 de ventas totales de vinilo en Marzo 2015 con el Raw Rootz 003.

PAULA CAZENAVE 

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Paula-Cazenave

Paula es otro clásico de nuestro país. Con mucho esfuerzo, ha logrado una meteórica carrera que no para de crecer. Se ha vuelto imprescindible en cualquier festival que se precie.

ARIZ (A.PROFESSOR)

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Ariz

Asier define a la perfección el concepto de vieja escuela. Conoció los entresijos de la formación de este bonito movimiento, con multitud de anécdotas que nos podría contar. Influenciado en un primer momento por el Hardtechno sueco, se caracterizó por el empleo de 3 platos por aquel entonces, complementándolo más adelante (en la actualidad) con herramientas digitales. Hizo dúos con Paula Cazenave y con el gran Dj Murphy

ANNIE HALL

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Annie-Hall

Artista española muy prolífica. Miembro del respetable grupo “Micron Audio” (con sede en Detroit).

Amante de los sonidos Electro, Acid o IDM, es ya una digna representante de nuestro país y,  por supuesto, tiene un futuro prometedor.

DAVID MEISER

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David-Meiser

David es probablemente una de las mentes más inquietas del Techno. Su vena de ingeniero innovador aflora en cada pequeño acto cotidiano en su universo artístico. Mima cada detalle. Es educado y correcto en el trato. En definitiva, sabe tratar con las personas. No es de extrañar su actual éxito. Comenzó desde la humildad y la lucha por unos ideales. En 2012, publicó su primer trabajo en el sello gallego Hard Benzel

Es charteado habitualmente por Dave Clarke, llegando a producirse una mímesis entre sus conceptos musicales. Recientemente sacó su álbum más personal, donde expresa lo que lleva dentro en clave Techno, así como sus amplios conocimientos en disciplinas tan fascinantes como la Neurociencia 

Dark-Legacy-

C-SYSTEM

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C-System

José María Moreno Vega es un apasionado del Techno y de los “cacharros” analógicos y digitales. Tanto en su faceta de dj como de productor, no deja a nadie indiferente. Sesiones muy dinámicas, conjugando energía, potencia y musicalidad retorcida. Con su a.k.a. Spectrum Data Forces roza lo sublime…

Este tema lo catapultó al chart de Dave Clarke

ERROR ETICA

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Error-Ética

Víctor Martínez, natural de Calahorra, fundador del conocido sello  Psychoskunk.

Lleva unos años dando que hablar con su a.k.a. Error Etica

BRAN LANEN

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Bran-Lanen

Bran Lanen es probablemente uno de los artistas más underground de España. Totalmente alejado de las modas, siempre hace lo que más le inspira, sin contar con la aprobación de los demás. Realista como pocos, a veces le confunden con pesimista. El hecho es que preserva como nadie ciertos valores que dieron origen al TECHNO (con mayúsculas).

En 2012 sacó su propio sello: Ars Obscurae

Esto es lo último que publicó, para un sello que destina el dinero para los más desfavorecidos.

SVRECA

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Svreca

Dejará un gran legado con su sello Semántica

Techno, IDM y Electro.

NOLE

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Nole

Vasco afincado actualmente en Madrid, lleva una carrera meteórica desde su residencia en “Star Dust“. También está haciendo sus progresos en el terreno de la producción.

ROI

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Roi

Desde A Coruña, Roi lleva media vida luchando para ofrecer un trabajo digno, tanto desde la cabina como en su faceta de promotor en Fanzine Project

Ya actuó en Argentina, Suiza y Portugal.

LIÑOS

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Liños

Deejay Liños es ya una leyenda gallega. Apodado en su día como “el Dave Clarke coruñés”, lleva casi 20 años girando discos. Aunque la base de su carrera musical es el Techno contundente, atesora una inmensa colección de vinilos de toda clase y condición, donde no faltan bandas sonoras de películas. Junto a Proyecto Inopia ideó Twelve Inches  

Actualmente, está dando mucho que hablar, gracias a haber creado un serial de podcast centrados en el Techno más añejo.

KUROI

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Kuroi

Laura Muñoz Hidalgo maneja con destreza y pasión sus preciados vinilos. No hace mucho conoció la cabina de TRESOR (Berlín), dando buena muestra de que en España hay buena cantera de Techno.

MILA STEINER

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Mila, agazapada desde la sombra, ha emergido en conjunción con sus inseparables amigas, las máquinas analógicas, para brindarnos un sonido rudo, frío, y a la vez intenso como pocos. Fichada por una agencia alemana, hace poco actuó allí junto a Dj Rush

BEN GARLÓ

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Desde Madrid, otro luchador de la escena Techno. Destaca su vehemencia e implicación con el público a la hora de afrontar sus sets. Acaba de sacar un tema en el sello que regenta junto a otro vinilero empedernido: Fran Mosh

VÍCTOR SANTANA

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Victor-Santana

Víctor revolucionó el panorama Techno en 2010, tras la reciente creación de su sello Chaval Records

Su conmovedora historia, acudiendo in situ a Detroit para dar a conocer sus trabajos, nos llegó bien hondo a los amantes de esta música. Sus directos son rompedores y a la vez sentimentales.

SYNTH ALIEN

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Alberto Sanmartín lleva varios años entusiasmando con su elaborado sonido Italo y Electro. Un maestro de las melodías melancólicas. De lo mejor que tenemos actualmente en Galicia.

THE ZENOBIT3

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The-Zenobit3

A pesar de su veteranía, Joaquín está pasando por su segunda juventud musical. Totalmente motivado y lleno de energía, nos brinda una cuidada selección de piezas underground, acompañada de mezclas sutiles y efectivas. Desde este blog ya se le dedicó un artículo The Zenobi3, en su guerra contra los milikis 

30DROP

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30DROP

Este barcelonés, auténtico melómano y apasionado de los intrincados misterios que nos depara el Universo, se consolida a pasos agigantados con producciones realmente geniales, plagadas de sonidos espacialesobscuros y detroitianos.

DAVID REINA

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David-Reina

Cordobés de pura cepa. Tiene un gusto musical exquisito. Como productor, está empezando a lograr unos resultados excepcionales, preservando la pureza de sus orígenes en 1997.

AKENATON

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Akenaton

Madrileño influenciado por el sonido “Soma“, es otro de los que pelea desde la sombra.

H. PAUL

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Pablo lleva una década implicado en la producción de Hardtechno industrial, representando a la zona de Valencia.

DYKKON

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Dykkon

Iván está muy en forma en los últimos tiempos. Se dedica a dar cursos de producción y a editar temas en sellos tan prestigiosos como Drumcode o Gynoid Audio

ELÍAS THE PROPHET

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Elías es otro de los habituales de la noche madrileña y gran defensor del vinilo.

APHONICO

Aphonico

Malacitano con muchos años a las espaldas haciendo una música Techno muy pura.

REUVEN

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Reuven

Un verdadero vendaval su directo.

DAN BOHLER

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Dan-Bohler

Promotor del FIV, saca un excelente sonido Techno.

GKAHN

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GKAHN

Guisa es uno de los más grandes disc-jockeys que ha dado Asturias.

DJ SMUG

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DJSMUG

Otro excelente y heterogéneo mezclador asturiano.

CHUSSO

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Chusso

Chusso es una persona con gran cultura Techno. Participó en diversas radios de carácter independiente. Actualmente ofrece buena música año tras año en Aquasella Festival.

Analógico vs Digital

Mastering-1

La transición del audio analógico al digital ha representado la revolución más importante en el mundo del sonido profesional en toda su historia. Este paso ha transformado completamente la forma de trabajar el audio. Actualmente, la tecnología digital tiene una enorme presencia en nuestras vidas. El mp3 se ha convertido en compañero inseparable de toda una generación de jóvenes. En este artículo se abordará un clásico e interminable debate sobre las señales analógicas y digitales.

Para empezar, vamos a explicar con sumo detalle sus principales diferencias:

Una SEÑAL ANALÓGICA es aquella generada por un fenómeno electromagnético, siendo representada por una función matemática continua, en la que su período y amplitud son variables. En otras palabras, realizamos copias eléctricas del sonido original. Por ejemplo, un micrófono convierte la presión de las partículas que flotan en el aire en señales eléctricas polarizadas.

Este proceso se registra en una cinta magnetofónica, considerándose un fenómeno continuo de grabación de impulsos eléctricos de distintos voltajes, que se corresponden a la frecuencia, timbre, intensidad y tono de la señal original (análoga). En dicho registro se conserva la misma onda que tiene lugar en el aire cuando las partículas se comprimen y descomprimen captada por el micrófono, que es un instrumento puramente analógico encargado de convertir las variaciones de presión en el aire que impactan en su membrana en variaciones eléctricas, a través de cambios de polaridad en un campo electromagnético.

En la señal analógica, siempre aparece una variación contínua de un parámetro (voltaje en un cable o flujo magnético en una cinta). La tensión que proporciona el micrófono puede tomar cualquier valor (dentro de los milivoltios máximos que pueda facilitar) en las oscilaciones de las ondas sonoras. De igual manera sucedería en la cinta magnética.

VENTAJAS DEL SONIDO ANALÓGICO:

  • Ausencia de distorsión aliasing.
  • Ausencia de ruido de cuantización.
  • Comportamiento en condiciones de sobrecarga (aunque esto genera un cambio en el tono o color de la grabación).
  • Representa las magnitudes mediante VARIABLES CONTINUAS, análogas a las que dieron lugar a la generación de la señal original. Se percibe como más “fácil” para nuestro oído, ya que no nos gustan las aristas. Como los procesos analógicos son más lentos en sus tiempos de adquisición, los transitorios más rápidos, simplemente se suavizan, siendo el resultado más suave a nuestro oído).

 

DESVENTAJAS DEL SONIDO ANALÓGICO:

Es precisamente esa capacidad de variación el principal Talón de Aquiles del audio analógico, ya que el nivel de tensión puede estar en cualquier punto entre el máximo y el mínimo. Cuando una señal analógica se altera en el proceso de grabación o transmisión de datos, es muy complicado recuperarla. Algunos de los factores a tener en cuenta son los siguientes:

– Ruido: A lo largo de la cadena de audio suelen producirse perturbaciones que intervienen sobre las señales transmitidas o procesadas. En electrónica, el simple hecho de que existan cargas eléctricas en movimiento implica la generación de ruido eléctrico, el cual se comportará de manera similar al físico.

– Distorsión lineal: Existe cuando la ganancia o atenuación provocada por el medio (o por el equipo) mediante el cual pasa el sonido es función de la frecuencia. En otras palabras, cuando la respuesta en frecuencia no es plana. Esto es debido a que al sumarse componentes de cada frecuencia para formar la onda de sonido compleja, no se obtendrá idéntica forma de onda primigenia si el valor relativo entre componentes es distinto a la misma. (Inarmónica, o armónica, a través de riging o resonancias).

– Distorsión armónica: Se produce cuando al introducir en un equipo una señal de una determinada frecuencia (f), a la salida se encuentran, además de la frecuencia original, unas señales de frecuencias 2f, 3f, etc, armónicos de la señal de entrada. Los armónicos pares aún podrían ser aceptables, porque adhieren un componente cálido y envolvente; los armónicos impares, por el contrario, producen en el oído una molesta sensación. Este tipo de distorsión es debida a la no linealidad de los circuitos electrónicos y puede ser provocada si aplicamos un exceso de nivel de la señal de entrada o salida.

– Ocupa mayor espacio.

– Se calienta más.

 

DIGITAL

Un disco compacto o un flash memory son soportes digitales. Este tipo de audio no hace copias de nada, sólo transforma las vibraciones en 0 y 1, los dos dígitos que conforman el SISTEMA BINARIO, el lenguaje de las computadoras y equipos digitales.

Gracias a la popularización del acceso a la tecnología digital, fundamentalmente a partir de los años 90, la transmisión y grabación de sonidos analógicos experimentó grandes cambios. La mayoría de aparatos digitales reciben señal analógica y la convierten posteriormente en digital.

Así sucede en los clásicos reproductores de CD y DVD, en el módem del ordenador o en las cámaras fotográficas. Para ejecutar dicha conversión, existe un dispositivo llamado ADC (conversor analógico-digital), el cual recibe señales eléctricas en forma de onda analógica y luego las convierte en señales digitales codificadas en valores numéricos binarios (en la práctica, ceros y unos).

VENTAJAS DEL SONIDO DIGITAL

1) Posibilidades ilimitadas de retoque. Cuando disponemos de un trabajo en formato digital, las opciones de manipular a voluntad sus diversos fragmentos son muy elevadas. Se tiene un mayor grado de control en el proceso.

2) Menos espacio de almacenamiento
Un buen disco duro con archivos digitales equivale a varias habitaciones repletas de vinilos.

3) Infinidad de copias con la misma calidad 
El audio digital es multigeneración. Permite hacer multitud de copias de un archivo original, sin apenas pérdidas de calidad.

4) Se deteriora menos que el analógico
El audio que guardamos en formatos análogos, por razones de humedad o cambios de temperatura, acaba deteriorándose con el tiempo, mientras que el guardado de forma digital puede durar siglos.

5) Acceso más rápido a la información
En las cintas de casete teníamos que rebobinar y tardábamos mucho tiempo en encontrar el fragmento deseado (acceso lineal). Con el audio digital y programas informáticos adecuados, es mucho más rápido (acceso aleatorio).

 

DESVENTAJAS DEL SONIDO DIGITAL

1) Puede promover estatismo artístico, generando vagancia y funcionarizando a la persona que está detrás de la tecnología. Una buena herramienta, en la práctica, no siempre se emplea para extraer un resultado más brillante, sino para acortar pasos y evitar el esfuerzo que supondría realizar una ardua labor de aprendizaje. 

2) Necesita una conversión analógica-digital previa y una decodificación (DAC) posterior en el momento de la recepción. (si se usan plugins o generadores digitales, NO)

3) Requiere una sincronización precisa entre los tiempos del reloj del transmisor con respecto a los del receptor (sólo si hay varios dispositivos analógicos o tiradas largas de cable digital).

4) La señal digital requiere mayor ancho de banda que la señal analógica para ser transmitida (según lo que necesites enviar. Por ejemplo, en telecomunicaciones, las señales analógicas con ancho de banda de 20 Hz a 20Khz ocuparían más que una señal codificada sin perdidas del mismo ancho de banda)

En la actualidad, el sonido digital conserva una resolución tan aceptable que la diferencia con el analógico es prácticamente imperceptible para el común de los mortales. El primer paso a la hora de convertir una señal analógica a digital es la de realizar un muestreo (sampling). Consiste en tomar varias muestras de tensiones o voltajes en varios puntos de la onda senoidal. La frecuencia a la que se realiza el muestreo es la tasa o frecuencia de muestreo, midiéndose en khz. 

 Las frecuencias de muestreo para audio digital son:

– 44.100 muestras por segundo (44,1 khz) estandar del CD audio.

– 48.000 muestras por segundo (48 khz).

El ingeniero sueco NYQUIST estableció la frecuencia de muestreo correcta se corresponde con el doble de la que percibe el oído humano, de tal manera que 44.100 hz es el estandar del CD audio. Un dato importante es el de la resolución, medida en bits. Por ejemplo, empleando 16 bits se obtienen 65.535 niveles

En cuanto a la tan nombrada diferencia de calidad entre el formato analógico y el digital, como no podría ser de otra manera, existe un gran debate. En general, pocos son los afortunados con capacidad de percibir diferencias entre un audio no comprimido (wav o aiff) y un vinilo original (por ejemplo). Se han llevado a cabo diferentes PRUEBAS CIEGAS, en las que de forma unánime se llegó a la conclusión de que no hay diferencias audibles entre un mismo tema en vinilo y en cdr. Es un importante resaltar que este colectivo amante del audio dispone de una muy fiable metodología a la hora de hacer sus pruebas, así que su opinión es a tener en cuenta, a pesar de que nuestra propia subjetividad nos diga que un vinilo nos suena mejor (hay muchas variables que no barajamos a la hora de emitir nuestro veredicto). 

Se estima una clara diferencia entre uno y otro en muchos ámbitos. No mejor o peor, pero si muy distintos, uno es fiel a la fuente (digital) el otro es más suave (eso que llaman calidez), pero menos fiel a la fuente (vinilo.

Algunas personas perciben un mayor cuerpo y calidez en el formato analógico. Una de las características del vinilo es la difícil captura de frecuencias muy bajas o muy altas. Por tanto, es necesario un estandar específico llamado “ECUALIZACIÓN RIAA” . La curva RIAA existe  para evitar problemas físicos en el disco de vinilo, realizando ésta atenuación de graves que en la reproducción serán amplificados (mediante un preénfasis a partir de 500 hz), y amplificando agudos que en la reproducción serán atenuados. 

(Esto es cierto a medias. La RIAA sirve para albergar más tiempo de audio en un disco. Al grabar literalmente la forma de onda, a más volumen y más graves, menos tiempo de grabación… Si bajamos antes de grabar los graves y luego al reproducir en casa los subimos exactamente igual, obtenemos menos excursión de onda en el surco, aunque el mismo resultado al reproducirse. En cuanto a los agudos, al realizar la galvanoplastia, aparece un defecto llamado ruido granular, subiendo la señal al grabar el disco durante el corte del lacquer, enmascaramos ese ruido granular cuando llegue a la fase de galvanoplastia en la fabrica, luego realizamos la operación inversa al reproducir para que la obra quede igual que estaba).

Si las frecuencias graves se grabasen como vienen del Pre-Master en el Master, la cortadora tendría que producir surcos demasiado grandes, acortando así  la duración total del disco, y además la cápsula reproductora de los tocadiscos se vería forzada a realizar un mayor esfuerzo y tendría más desgaste. En cambio, las frecuencias agudas originarias, sin el proceso de ecualización riaa, propiciarían que el surco fuese muy pequeño. Además, al decrecer en amplitud, el surco sería más estrecho, existiendo el problema de la relación señal – ruido. Esto es, que al desplazarse la púa sobre el surco, se generaba un siseo, con un componente importante en el rango de los agudos. Esto tenía el riesgo de que el siseo propio del arrastre se mezclase con la música grabada, por lo que se introdujo un PREÉNFASIS a partir de los 2.150Hz para superar este inconveniente y reproducir fielmente el vinilo. 

Lo que hace básicamente la ecualización riaa es atenuar unos 17db a 50hz (frecuencias graves), y ensalzar unos 13 db a 10khz (frecuencias agudas). De esta manera, se consigue una respuesta plana al reproducir el vinilo, ya que la curva que se emplea al cortar es la que utilizan los ecualizadores de los amplificadores fonográficos, pero invertida. La cortadora gira a la velocidad del vinilo terminado, y va creando un surco continuo desde el borde del disco hacia el centro. También dispone de una punta de zafiro que graba el audio en los ejes vertical (estéreo) y horizontal (mono), insertando la onda de audio en el disco de forma física (se graba con la aguja de zafiro montada cada canal en 45º, usando de este modo una forma elíptica).

Así que es la  propia compresión requerida en el proceso de creación del master en la planta de prensado la que dota al vinilo de unas características muy definidas, por lo que es probable que asociemos ese peculiar sonido con la calidad, cuando no necesariamente es así. Actualmente, en pleno 2018,  analógico o digital es una mera elección. Resulta complicado defender científicamente un formato u otro, ya que no faltarán personas muy versadas con poderosos argumentos en ambos casos.

En mi caso, detesto el CD por incómodo y porque me parece estéticamente deplorable la transición entre quitarlo y ponerlo; no deja de ser un factor totalmente subjetivo. Somos personas y por supuesto hemos de contar con estas peculiaridades a la hora de elegir algo tan íntimo como es la música.

Si valoras más el vinilo, seguramente honres cada centímetro de la imagen de una carátula, hasta es posible que conozcas un tema sólo mirando fugazmente entre decenas de galletas, e incluso promos ininteligibles para el común de los mortales.

No hay que obviar la mayor sensación de pertenencia e identificación de un disco, frente a la fría lista interminable de archivos digitales almacenados en mecanismos que, probablemente, sea complejo atesorar con el paso de los años (INTERESANTE ARTÍCULO ACERCA DE ELLO). Por contra, el vinilo requiere de unos cuidados superiores para evitar su deterioro, tales como una limpieza al menos mensual, así como un almacenaje con las mínimas garantías de conservación. Es un objeto bastante delicado, (aunque en mi experiencia, el formato CD es al menos tan susceptible de ser inutilizado por un rayazo como un vinilo). El disco tiende a acumular ENERGÍA ESTÁTICA y polvo. Una mirada a través de un microscopio revelaría la verdadera suciedad incrustada en el surco, así que toda prudencia a la hora de tratarlos es poca. 

Colaboración de Pedro Viñuela, experto en Mastering y productor de Música Electrónica.

http://nexo101.com/

“Techno Galicia Rave” llega a su fin

El fenómeno RAVE cubrió de gloria (de la mano de  Techno Galicia) las noches y mañanas gallegas del último año y medio. De una manera inesperada, nació para ofrecer a los amantes de la Música Electrónica menos comercial un pequeño reducto donde dar cabida a sus anhelos.

Techno-Galicia-Rave-Festival-2016

El próximo sábado 10 de marzo concluye una bonita etapa, firmada, nada más y nada menos, por 20 fiestas de lo más variopintas, teniendo al Techno como telón de fondo y siguiendo a rajatabla unos principios básicos, ya olvidados por la gran mayoría. Totalmente fieles al vinilo, pasaron de hacer raves en el medio de la nada a traer a una de las djs más respetadas de España: PELACHA

No es nada fácil subsistir en el panorama actual, copado por grandes eventos que acaparan el bolsillo de los clubbers. Multitud de reuniones electrónicas cada semana (tanto en la Península como en Europa) ensalzan aún más la permanencia de este colectivo, máxime cuando en la mayoría de los casos roza la ilegalidad. Bandera-Techno-Galicia-Rave

Lugares abandonados a la suerte, playas, bosques, y en general todo tipo de peripecias para encontrar un habitáculo digno para escuchar Techno toda la noche, fueron la seña de identidad de Techno Galicia Rave. El mundo de la música es cíclico. Estamos disfrutando de producciones cercanas a esa magia de finales de los 90 y principios del 2000. Las raves pretenden captar esa esencia que, en ocasiones, los grandes festivales no consiguen plasmar.

Techno-Galicia-Vol-8

Polvorín

Inopia-San-Juan

Polvorín-2

Público-Negreira

En todo momento se dejaron claros ciertos principios básicos para el buen desarrollo de los eventos:

  1. Máximo respeto por el entorno. Que el lugar quede, no ya parecido a como estaba, sino mejor. Para ello no dudaron en emplear logística destinada a paliar las consecuencias medioambientales de cada rave.

Papelera

     2. Máximo respeto por los vecinos. En alguna ocasión, las autoridades competentes hicieron acto de presencia. Siempre se consiguió llegar a un consenso entre ambas partes, con el propósito de que ambas saliesen beneficiadas.

     3. La Libertad conlleva responsabilidad. El concepto de “rave” está intrínsecamente relacionado con el de Libertad. De todos modos, siempre aparece algún sujeto con afán de perturbar el buen ambiente imperante. Ya sea montando follón o incluso queriendo apropiarse de lo que no es suyo, es un factor a tener en cuenta. Por tanto, se tomaron medidas para que éstos individuos no pudiesen campar a sus anchas con total impunidad. “Si das la mano, te cogen todo el brazo“.

     4. Apoyo incondicional a las mezclas artesanales con vinilo. Este fue, sin duda, uno de los mayores caballos de batalla de “Techno Galicia Rave”. En estos tiempos, tener unos ideales sólidos te pone directamente sobre el punto de mira de quien no está de acuerdo. A veces, de manera un tanto sutil; otras, con total oposición. Una escena donde lo que abundan son sistemas digitales, no parece aceptar a los que reclaman su derecho para expresarse musicalmente como vean conveniente.

     5. La música es lo importante. En una época donde lo que triunfa es el “selfie”, esta premisa parece una auténtica locura. Conociendo la importancia de las nuevas tecnologías, se intentó rescatar el antiguo principio de que las piezas musicales deberían estar aún por encima de sus propios autores. No como rechazo a lo nuevo, sino como afianzamiento de lo clásico para afrontar el presente y futuro con el debido conocimiento.

Sonia

También se expandió la Cultura de Club.

Techno-Galicia-Club

El punto más álgido de la carrera meteórica de este colectivo fue la realización de un acto solidario en favor de los animales. “Gatocan Techno Galicia Festival” dio digno cumplimiento a la totalidad de valores propugnados desde su nacimiento.

Gatocan-Techno-Galicia-Festival

Enlace en La Voz de Galicia

La evolución de “Techno Galicia Rave” fue constante, hasta el punto de traer entre sus filas a uno de los estandartes españoles de la Música Electrónica: PELACHA

Pelacha-Techno-Galicia-Vol-15

 

Pelacha-Techno-Galicia

Este sábado 10 de marzo, “Techno Galicia Rave” nos dice adiós.

¡No te pierdas su despedida estelar!

Techno-Galicia-Rave-Closing-Party-Flyer-Oficial

I Hate Models vs Federico Amoroso: La Guerra de Samples

La manera de actuar de algunos productores de Música Electrónica aún sigue siendo un misterio para el común de los clubbers. Hace casi una década, el popular foro de Clubbingspain (El Techno es una Gran Mentira) lanzaba un pequeño dardo envenenado, en el que se instaba a la sospecha acerca de los métodos de los grandes nombres de la escena internacional a la hora de elaborar el Techno que oímos en clubs y festivales. Concretamente, se hacía énfasis en las conocidas librerías Vengeance,   las cuales, hasta hace bien poco, se podían descargar totalmente gratis (posiblemente, ahora también).

En dichas carpetas, todo tipo de loopssamples -ampliamente trabajados en estudios- hacen las delicias de productores noveles y profesionales, ya que con un poco de oportunismo y una dosis de vagancia, casi cualquiera puede firmar un disco. En el citado post de Clubbingspain, se alude directamente a vinilos clásicos de afamados productores, como Mauro Picotto, Monika Kruse, Gayle San, Gaetano Parisio, Richie Hawtin, en los que poco menos se dedican a presentar el loop, adornado con unos cuantos efectos para enmascarar esa actitud de tan dudosa calidad artística e imaginativa.  En este enlace a tráfico de sonidos, se oferta todo tipo de material prefabricado, listo para insertar y conducir al “productor” a la gloria. Hoy en día, hasta existen los llamados “Ghost Producers” los cuales fabrican un tema para que otros reciban el mérito público. El nivel de bajeza no puede ser mayor.

 Vayamos al grano. Los aficionados al Techno, suelen encumbrar a los artistas cuando llegan a determinada posición mediática. Son entrevistados en plataformas influyentes: radios, magazines, canales de Youtube; incluidos en los más notorios festivales y clubs de todo el mundo; sacan discos en sellos de reconocida autoridad y prestigio… Ahora bien, ¿Todo ello les conduce hacia la excelencia musical? No siempre. A mi juicio, un artista debe pasar quizás el filtro más importante y exigente a la hora de valorar sus trabajos: él mismo. Si tú, en lo más profundo, no te respetas, algo no funciona.

Me gustaría saber qué clase de diálogo interno batalla en la mente de estos “productores” cuando se dedican a copiar y pegar loops sin el menor criterio. Bien es cierto que exagero un poco cuando afirmo que cualquiera podría sacar un temazo apoyado en estas librerías. El mundo, en general, suele ser más complejo que eso. En realidad, es necesario tener unos conocimientos mínimos a la hora de encajar los dichosos loops y samples, ya que un simple solapamiento de frecuencias o error de fase puede llevar al traste tu anhelo de finalizar con garantías tu canción.

De todas maneras, esa práctica me sigue pareciendo indigna de un artista de nivel internacional. Es una simplificación manifiesta, una vagancia que denota poco amor por lo que estás haciendo. Muchos nos preguntábamos hace años: “¿De dónde sacan el tiempo para producir los grandes djs, si están constantemente de gira por el mundo?”. A lo mejor, ésta es la respuesta. Afortunadamente, no pienso que sea así en el 100% de los casos. En algunos números de revistas especializadas en Música Electrónica, salen reflejados productores demostrando con claridad su sabiduría respecto al tema, e incluso haciendo temas improvisados junto a otros. También existen vídeos por Internet, en los que artistas de nivel nos enseñan parte de su maquinaria. Vamos a centrarnos en estos casos flagrantes de falta de creatividad e imaginación.

Pondremos unos ejemplos muy muy claros:

¿Te suena? Es el famoso Primate de Mauro Picotto y Riccardo Ferri: “Alchemist Ep”. Hay que ser muy alquimistas para colarnos este gol por la escuadra. (el loop de ese enlace de Soundcloud se corresponde con la librería “VEC2 Loops Fills 019.wav”).

A continuación escucharemos el disco firmado por los productores italianos:

No hay la menor duda ni pudor. Ni siquiera se intenta enmascarar.

Acabas de escuchar un conocidísimo tema firmado por los alemanes Monika Kruse y Voodoamt. Falso. En realidad es el loop VEC1 210 de una librería “Vengeance“.

Oigamos el disco oficial para salir de dudas…

Unam Zetineb saltó a la palestra hace unos años por un supuesto plagio a artistas de reconocido prestigio internacional. En esta entrevista sugiere que muchos de ellos emplean loops y samples… Entrevista a Unam Zetineb

Es momento de resaltar la diferencia entre juntar loops creados por unos profesionales en el estudio con el Arte del Sampling

Muestra de una Recreación (doble click) de un tema de Prodigy empleando los samples originales que ellos mismos seleccionaron. ¡Esto sí que es impresionante!

Mike Undersound productor asturiano, nos demuestra cómo se puede hacer un temazo Techno sin emplear un solo sample:

La noticia que da título a esta entrada de blog se refiere a la denuncia perpetrada por I Hate Models sobre el productor italiano Federico Amoroso. Se le acusa directamente de plagiar una de sus canciones. Hasta tal punto llegó la controversia, que el track en cuestión fue retirado de diversas plataformas musicales, como Soundcloud y Youtube.

Federico-Amoroso

Lo gracioso, indignante y paradójico es que Federico asegura haber imitado el sample desde cero, no copiando y pegando. Aunque así fuese, hablamos de un sample que está a la venta y cualquiera puede comprar, abriendo un polémico debate acerca de qué legitimidad hay para exigir derechos de autor cuando tu trabajo no es 100% original.

Por otra parte, no faltaron voces a favor del artista francés I Hate Models. En última instancia, cada persona se aferra a lo que encaja con su sistema de creencias. Nosotros no hemos estado presentes en dicha composición, así que siempre nos quedará la duda…

Stop-Telling-Lies

Este es el sample de la discordia

Juzguen ustedes mismos. El experimento de Federico viene a denunciar lo mismo que otros hace años atrás. Se está perdiendo la creatividad a pasos agigantados. Un público informado, crítico y con inquietudes vitales es el antídoto ante la creciente contaminación del arte musical. A la par que las herramientas de producción mejoran exponencialmente, no parecen ser muchos los responsables en extraer lo mejor de sí mismos. ¿Queréis más casos sospechosos y actuales?

¿Crees que se parece el inicio de los 2 temas?

Es el momento de citar al gran Óscar Wilde : “Mucha gente es otra gente. Sus pensamientos son las opiniones de otros, sus vidas una imitación, sus pasiones una cita”. No hagamos lo mismo con la música…

Salud auditiva en la Música Electrónica

El “Tinnitus”, también denominado “Acúfeno”, es un sonido que escuchamos sin que medie fuente sonora alguna en el proceso. Este síntoma puede estar causado por varios motivos: ENFERMEDAD DE MÉNIÈRE, episodios de estrés o exposición a elevados niveles sonoros, que será el principal caso que nos ocupe en este artículo.

El oído es el órgano sensorial responsable de la audición y del mantenimiento del equilibrio mediante la detección de la posición corporal y del movimiento de la cabeza. Su función primordial se lleva a cabo a través de los órganos auditivos alojados a ambos lados del cráneo, aunque algunas frecuencias de componente muy grave son percibidas por todo el conjunto de la estructura ósea y también por el diafragma (músculo plano ubicado en el vientre).

Se compone de tres partes bien diferencias, oído externomedio e interno. El externo se localiza fuera del cráneo y los otros dos dentro del hueso temporal.

El oído interno es la parte esencial del órgano de la audición, porque en él se produce la transformación de la onda sonora (energía mecánica) en impulsos nerviosos (energía eléctrica) y también se realiza el análisis de los sonidos.

Estructura-básica-oído-humano

Foto 1. Estructura básica del oído humano.

Muchas personas podemos identificar un acúfeno ya que, de manera momentánea, al salir de un concierto o discoteca, y tras haber estado durante varias horas expuesto/a un ruido considerable, experimentamos un molesto zumbido. Éste se debe a la irritación de las terminaciones nerviosas del oído interno, ya que al recibir ondas sonoras demasiado enérgicas, los cilios (pelillos encargados de transformar el sonido en una señal nerviosa) se sobreexcitan, generando así descargas eléctricas sin que exista un sonido real.

El oído humano responde de este modo a la agresión recibida por los potentes altavoces de la sala. Es el sistema de protección auditivo, cuya función radica en regular el sonido captado, preservando así los órganos auditivos internos de presiones sonoras inadecuadas. En principio, percibir un zumbido en esas circunstancias no debería alertarnos, ya que es algo totalmente normal.

Ante una fuente sonora demasiado elevada, existen unos músculos encargados de reducir la tensión del tímpano; otros, en cambio, alteran la posición angular del estribo sobre la ventana oval, consiguiendo una atenuación de la fuerza aplicada. También funciona a la inversa. Cuando es necesario escuchar con mayor precisión en un ambiente poco proclive a ello, el oído se comporta de modo similar a una ganancia automática, amplificando hasta obtener un sonido más claro.

Una exposición breve a un ruido excesivo puede ocasionar una pérdida temporal de la audición. Se denomina desplazamiento temporal del umbral a esta afección.

La exposición al ruido durante un período de tiempo más prolongado puede provocar una pérdida permanente. La pérdida permanente de audición, actualmente, no tiene cura. El zumbido y la sensación de sordera desaparecen normalmente al cabo de poco tiempo de estar alejado del ruido. Ahora bien, cuanto más tiempo se esté expuesto al ruido, más tiempo tardará el oído a volver a la normalidad.

Si padecemos un TRAUMA ACÚSTICO se recomienda, en un plazo de 48 horas desde que se produjo, acudir a un especialista que resolverá el problema utilizando corticoides, vasodilatadores, inhalación de carbógeno o hemodilución (entre otros).

El inconveniente de nuestro sistema de protección es que su tiempo de reacción no es suficientemente veloz como para resguardarse de un ruido muy elevado y repentino, por lo que ante una hipotética detonación o exposición momentánea a un sonido que supere el índice crítico de Hood (95 db), el oído será dañado, con las fatales consecuencias que podéis imaginar.

La sensibilidad del oído humano es más elevada a niveles bajos que altos. Cuanta más intensidad sonora hay, serán necesarios mayores aumentos de los estímulos sonoros para poder percibir los cambios de nivel. Nuestra sensibilidad auditiva no es la misma para todas las frecuencias. Percibimos con mayor claridad los tonos medios que los bajos o los altos.

Debemos diferenciar una magnitud de carácter objetivo, como es la intensidad, de otra totalmente subjetiva: la sonoridad. Mientras la primera se atiene a parámetros puramente físicos, la segunda está en relación a la propia percepción del oyente.

La intensidad se mide en unidades denominadas decibelios (dB) o dB(A). La escala de los decibelios no es una escala normal, sino logarítmica. Esto significa que un pequeño aumento del nivel de decibelios es, realmente, un gran aumento del nivel de ruido. Un incremento de tan solo 3dB representa multiplicar por dos la energía sonora y un incremento de 10 dB representa multiplicarla por 10. El oído, sin embargo, percibe un incremento de 10 dB como el doble de ruido o sonoridad.

Curva de Fletcher y Munson

Foto 2. Curva de sonoridad de Fletcher y Munson.

Es bien conocida la curva de sonoridad de Fletcher y Munson, la cual determina cuándo un sonido es igual de fuerte que otro. Estos científicos experimentaron en 1933 con grupos de personas que accedían a una CÁMARA ANECOICA

Se les pidió que compararan la sonoridad de un tono de referencia con distintos tonos de prueba; conociendo, en todos los casos, los  niveles objetivos de presión sonora. A lo largo de cada curva el oído percibe la misma sonoridad, y hace falta más presión sonora si se trata de frecuencias altas o bajas para equiparar su sonoridad con las frecuencias medias.

Observando las curvas de igual sonoridad se comprueba como el oído tiene una sensibilidad máxima en las frecuencias comprendidas entre los 1000 y los 6000 Hz; por el contrario, en las frecuencias más bajas se necesitan unos niveles de presión muy altos para conseguir la misma sensación sonora obtenida en las frecuencias medias.

El nivel de presión sonora tiene la ventaja de ser una medida objetiva y bastante cómoda de la intensidad del sonido, pero tiene la desventaja de que está lejos de representar con precisión lo que realmente se percibe. Esto se debe a que la sensibilidad del oído depende mucho de la frecuencia. En efecto, mientras que un sonido de 1 kHz y 0 dB ya es audible, es necesario llegar a los 37 dB para poder escuchar un tono de 100 Hz, y lo mismo es válido para sonidos de más de 16 kHz.

Comparemos la sensación sonora causada por un sonido y por otro de referencia. Si los dos producen la misma sensación en nuestros oídos, tienen la misma sonoridad, aunque pueden ejercer distintas presiones sobre el oído. Si el sonido que comparamos parece dos veces más potente que el de referencia, podemos decir que su sonoridad es el doble, lo cual no quiere decir que sea así en realidad, debido a las particulares cualidades de nuestros órganos auditivos.

Vamos a nombrar dos aspectos básicos en la audición humana:

Umbral de la audición: Nivel mínimo de sonido perceptible por una inmensa mayoría de personas, en un margen de unas frecuencias concretas.

Umbral del dolor: Nivel de presión sonora que comienza a generar molestias en el oído a unas determinadas frecuencias.

El umbral mínimo de percepción del sonido en el ser humano es de 0,0002 microbares ó 20 micropascales. Éste varía entre distintas personas y, dentro de la misma persona, para distintas frecuencias. El umbral de dolor se establece en 120 db.

Umbral-Audición-Dolor

Foto 3. Umbral de audición y de dolor.

Normalmente, un sonido empieza a resultar molesto en cuanto pasa el nivel de 120 dB (200 microbares, porque un dB de presión equivale a un dB de tensión) si su frecuencia está entre los 200 y los 10.000 Hz. A partir de 120 dB hay serio peligro para las facultades auditivas.

El oído humano no percibe por igual el abanico frecuencial, alcanzando su punto máximo en las frecuencias medias. Por ese motivo se ponderan las unidades, mediante las denominadas CURVAS ISOFÓNICAS.

La exposición medida en dBA es un buen indicador del riesgo auditivo, porque es una unidad de medida que se diferencia del dB en que filtra las bajas y altas frecuencias, dejando únicamente las más dañinas para nuestro oído.

Relación-actividades-dbA

Foto 4. Relación de actividades con su correspondiente medida en dbA.

Durante décadas se han investigado ampliamente diversos grupos de operarios industriales y se desarrollaron diversos criterios de evaluación de situaciones específicas.

Uno de esos criterios, correspondiente a la Norma Internacional ISO 1999, comienza definiendo el “déficit auditivo” o hipoacusia como un aumento permanente del umbral auditivo (el mínimo nivel sonoro audible) suficientemente importante como para afectar la inteligibilidad de la palabra (este aumento resulta ser de alrededor de 25 dB para los tonos de frecuencias medias).

El siguiente paso es utilizar una tabla de doble entrada que permite evaluar el riesgo porcentual de experimentar déficit auditivo al exponerse a ruidos de carácter laboral (8 horas diarias durante 6 días por semana) de cierto nivel sonoro promedio durante una cantidad determinada de años:

Dbs-recomendados-horas-laborales

Foto 5. Escala de decibelios máximos recomendados para actividades laborales.

El daño auditivo es función de la energía sonora media recibida por día. Como la energía media se mantiene constante si al disminuir la exposición a la mitad se incrementa el nivel sonoro en 3 dBA, la mayoría de las legislaciones admite un halving rate (Halving rate, o también exchange rate es el incremento del nivel sonoro en decibelios que se admite ante una reducción a la mitad del tiempo de exposición) de 3 dBA.

Por cada disminución a la mitad de las horas totales trabajadas el criterio se aplica restando 3 dB al nivel sonoro real.

A modo de ejemplo, consideremos el caso de un Disc Jockey que trabaja en una discoteca tres días por semana, expuesto durante 4 horas a un nivel sonoro promedio de 106 dBA. Dado que se trata de la mitad de días y la mitad de horas diarias, deben restarse dos veces 3 dB. Supongamos, además, que el joven permanece en este trabajo desde los 15 años hasta los 30, es decir, una exposición a lo largo de 15 años.

Bien, la tabla revela que el riesgo de experimentar incapacidad para la comunicación oral asciende al 37%, es decir que casi 4 de cada 10 personas en estas condiciones tendrá, a los 30 añosdificultades para comprender una conversación normal.

Las legislaciones laborales, normalmente permiten exposiciones a niveles de 85 dBA o hasta de 90 dBA, obligando a los trabajadores a hacer exámenes periódicos.

Debemos cuestionarnos la ilesividad de los 80 dBA, porque en la definición de riesgo hay otro factor en juego: previamente se ha restado el porcentaje de la población que sufre presbiacusia (hipoacusia por envejecimiento).

la EPA afirma que para proteger a toda la población (incluyendo a los individuos más susceptibles) el nivel sonoro promedio de las 24 horas del día no debería exceder los 70 dBA; tampoco debería pasar los 75 dBA en el transcurso de una jornada laboral de 8 horas, siempre y cuando el resto del tiempo el nivel de exposición se mantenga bastante por debajo de ese valor.

Como podéis comprobar, hay una clara diferencia entre los criterios formulados por ISO y la EPA, siendo éste último más restrictivo. En cuestiones de salud auditiva, toda precaución es poca, así que desde aquí insto a seguir los parámetros orientados por la EPA.

De todos modos, el valor de EPA es promedio. Se pueden tolerar niveles mayores durante breves períodos de tiempo. Por cada reducción a la mitad de la exposición, el nivel no lesivo puede aumentarse en 3 dBA., Durante 4 horas diarias serían razonables 78 dBA; durante 2 horas 81 dBA, durante 1 hora 84 dBA, etc. Por encima de 100 dBA es muy desaconsejable, incluso en dosis muy reducidas.

La molestia producida por el ruido es de carácter subjetivo, así que debe estar sujeta a las peculiares características de cada persona. En base a ellas, establecemos los siguientes factores:

1.Energía sonora:

Cuanta mayor energía tenga un sonido, más malestar provoca. Se mide con el nivel de presión sonora.

2. Tiempo de exposición: A iguales niveles de ruido, la molestia aumenta con el tiempo que dura la exposición (a mayor duración, mayor molestia).

3. Características del sonido:

Algunos sonidos, debido a su particular espectro frecuencial, ritmos, etc, molestan más que otros.

4. Sensibilidad individual:

 Hay personas que sienten grados diferentes de molestia frente a un mismo ruido.       Aquí influyen factores culturales, sociales, físicos, etc.

5. Actividad del receptor:

Dependiendo de la hora que sea, de la actividad que se realice y del nivel de concentración que se requiera, un mismo ruido puede provocar distintos grados de molestia.

6. Expectativas y calidad de vida:

En la segunda vivienda, las exigencias de calidad ambiental son más altas y los ruidos provocan más quejas.

A continuación mostramos una tabla en la que se reflejan los dBA recomendados por cantidad de horas, teniendo en cuenta que, si queremos estar realmente protegidos, sería necesario no sobrepasar los 75dBA en un período de 8 horas.

Exposición-en-horas-por-día

Foto 6. Exposición sonora recomendada por día.

     En síntesis, toda persona involucrada en la Música Electrónica (Disc Jockeys, técnicos de sonido, camareros, porteros y, por supuesto, el público asistente a los eventos) debe tomar en cuenta estas importantes consideraciones relacionadas con la audición. Para ello, recomiendo encarecidamente la revisión periódica AUDIOMETRÍA y el uso de filtros (comúnmente llamados “tapones”) para reducir la exposición sonora en los clubs.

En este artículo podéis aprender a INTERPRETAR UNA AUDIOMETRÍA

A continuación podéis ver  diversos modelos de enlace 1  enlace 2” para músicos”, aunque los puede emplear cualquier persona concienciada en la buena salud auditiva. Personalmente recomiendo los que atenúan 25 db, ya que en un evento medianamente considerable, se sobrepasan los 105 db muy fácilmente, siendo prácticamente intolerable para nuestros preciados oídos.

Enlace a un buen artículo de Hispasonic

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Historia de la Música Electrónica (Parte 1)

Lo que en la actualidad conocemos como música electrónica, es el fruto de un complejo proceso que se inició a finales del S XIX. La mayor influencia de la ciencia en el terreno musical se manifestó mediante el desarrollo de las herramientas de grabación y reproducción de música, llevada a cabo con instrumentos convencionales. El término se refiere a un tipo de música electroacústica con fuentes sonoras provenientes de procesos electrónicos, que usualmente incorporan la utilización de osciladores y generadores de tono que producen una señal eléctrica que hace referencia a una vibración física.
El primer dispositivo conocido con capacidad para grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía registrar el sonido sobre un soporte físico visible, siendo creado con la intención analizar científicamente las ondas sonoras. Estaba compuesto de un cuerno o un barril que recogía las ondas hacia una membrana a la que estaba atada una cerda. Era capaz de grabar sonidos visualmente, aunque no podía reproducirlos con posterioridad.
Fonoautógrafo_tA

En 1878, Edison patentó el fonógrafo.

Fonógrafo tA

En 1889 el estadounidense Louis Glass ideó la gramola, aparato que reproduce el sonido grabado en un disco, mediante una aguja y una caja de resonancia. Se hicieron populares en la medida en que los sistemas de amplificación evolucionaron. Varios años después había unas 10.000 unidades en los bares de Estados Unidos. Quizás su éxito se debió a su bajo coste en comparación con una banda de música. Además, era una herramienta muy efectiva a la hora de contabilizar qué discos eran más populares, lo que realzó lo que hoy denominamos “marketing”. Como anécdota, recordar que el concepto actual de “40 principales” proviene de la gramola, que precisamente ése era el número de canciones que albergaba. También se convirtió en vehículo para dar cabida a temas políticamente incorrectos para la radio. Fue una gran impulsora de sonidos como el “Rhythm and Blues”.

Gramófono

 Un invento que más adelante tendría una importancia vital en la música electrónica fue la válvula audión, que consistía en un tubo de vidrio que podría amplificar, con una pequeña señal eléctrica aplicada a la red, una corriente grande que fluye desde el filamento a la placa. Fue diseñada por Lee DeForest.  Se trataba de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que facilitaría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, entre otras aplicaciones.

Válvula_audión

Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el “Theremin”, inventado por el profesor Léon Theremin, alrededor de 1920. Este sorprendente aparato generaba sonidos al mover las manos alrededor de su antena.

Leon_Theremin

Otro primitivo instrumento electrónico fue el del ingeniero y compositor Maurice Martenot,  creador en 1928 de las “ondas Martenot”, instrumento formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia (monofónico), que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Martenot

El fonógrafo y la radio tuvieron un papel tan revolucionario en la música como la fotografía,  las pinturas en movimiento y la televisión, en el mundo de la experiencia visual.

Radio

La aparición de las vanguardias musicales se desarrolló en un ambiente en el que Europa se quedó sin colonias, lo que conllevó una especie de olla a presión a nivel social y cultural.  Era necesario experimentar y establecer una ruptura con el pasadoy se disponía de las herramientas tecnológicas para ello. Stravinsky y Schönberg fueron dos claros estandartes de esa disrupción, siendo el futurismo la rama que dio un mayor empuje a la experimentación. Luigi Russolo construyó, con la ayuda de Ugo Piatti, una familia de máquinas que generaban ruido acústico: intonarumori.  El ruido en la música no podía ser otra cosa que un hecho.

Intonarumori

Con la obra “Risveglio di una cittá”, plasmó sonidos de la civilización industrial. Convirtiéndose en una especie de filósofo de la música electrónica, Luigi logró asociarla al concepto de progreso y futuro.Edgar Varèse era amigo de Erik Satie y de Luigi Russolo. Estaba interesado en los Intonarumoris, aunque no plenamente satisfecho con ellos, ya que le parecían excesivamente simples. Varèse requería emociones más fuertes.Tras establecer contacto con Feruccio Busoni, éste le habla sobre el Telharmonium(también llamado dinamófono), un descomunal primer instrumento enteramente electrónico y polifónico, inventado en 1897 por Taddeus Cahill. Como dato apuntar que se necesitaron 30 vagones de tren para transportarlo de Holyoke a Nueva York. Edgar Varèse imagina, ante el nuevo descubrimiento, «timbres inconcebibles» e «instrumentos obedeciendo al pensamiento». En definitiva: quiere inventar un nuevo lenguaje.

Tom Dissevelt, pionero en realizar música electrónica popular -que más tarde darían a conocer Kraftwerk y Tangerine Dream.

Tom_Dissevelt

La música concreta es un género musical que consiste en grabar o generar en cinta magnetofónica sintetizador o en ordenador, sonidos musicales, no musicales y ruidos concretos. Luego son seleccionados y manipulados electrónicamente para, en última instancia, pegarlos en fragmentos de cinta magnetofónica o archivos de audio. Se pretendía componer obras con sonidos de cualquier origen.

El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación en cinta o como un archivo de audio digital, que después será reproducido por medios electroacústicos (reproductores de cinta, amplificadores, altavoces).

La música electroacústica –en contraposición a la concreta- obtendría los sonidos sintetizados electrónicamente, prescindiendo de la fase acústica y trabajando sobre la base de que todo sonido es reducible a tres parámetros: la frecuencia (hz), la intensidad (db) y el tiempo (segundos o milisegundos).

Pierre Schaeffer fue uno de sus máximos exponentes de la música concreta. La fundó en 1948, junto a Pierre Henry, que se le unió en 1949. Juntos crearon “Symphonie pour un homme seul”, compuesta de «ruidos y de notas, de estallidos de texto hablado y musical» con el fin de regresar a «la fuente única del ruido humano».

Música_Concreta

A partir de 1948 se inicia una catalogación de sonidos alterados.  Schaeffer intercala velocidades, reproduce bucles y crea una gran variedad de efectos. Una de sus creaciones fue el “fonógeno”, aparato con el que textualmente: «hace pasar la grabación sobre bandas magnéticas a diferentes velocidades» y cambia la escala de «sonidos considerados hasta entonces fijos, tales como el sonido de una campana o la vibración de un címbalo».
 En definitiva, se podían extraer todos los tonos a cualquier sonido previamente grabado. Su unión con el ingeniero y compositor Pierre Henry añade un toque musical a sus experimentos.
Robert Moog, nacido en New York en 1934, siendo estudiante de Física, Ingeniería Electrónica y Física, en 1954 fundó una empresa de diseño y construcción de Instrumentos Musicales Electrónicos. Sus inicios fueron, claramente inspirados por Leon Theremin.
 Más tarde, en la década de 1960, produjo varios sintetizadores modulares, los cuales tenían un tamaño considerable, algo que resolvió magníficamente en 1970, con su invento quizá más conocido: “Minimoog”.
Robert_Moog

Es importante destacar la figura de John BardeenWilliam Shockley Walter Brattain, que en 1948 inventaron el transistor.

Inventores_transistor

En 1951 nació el «Group de Recherche de Musique Concrète» (Grupo de Investigación de la Música Concreta), creado por Pierre SchaefferPierre Henry y Jacques Poullin. El propio Schaeffer habla de sonidos abstractos: música que no vemos ejecutar y voces que no podemos articular.
A principios de los cincuenta nace la música electroacústicaen el círculo de colaboradores del GRM. Expandió las posibilidades de la música instrumental, generando una nueva forma de arte. Sustituye los sonidos concretos obtenidos de fuentes naturales por otros sintetizados electrónicamente.  Esta vertiente establece que todo sonido puede reducirse a tres parámetros físicos: frecuencia (hz), intensidad (db) y tiempo (s o milisegundos -ms-).
Un punto de inflexión para la música electrónica fue el año 1951, siendo protagonistas los alemanes Robert Beyer y Herbert Eimert. Fundan el Estudio de Música Electrónica del Westdeutscher Rundfunk (WDR) en Colonia.
Karlheinz Stockhausen, conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en electroacústica, aleatoria y seriada, fue alumno de éste y la difundió primero, llevándose el mérito y convirtiéndose en uno de sus más voraces experimentadores.  Fue una gran influencia para diversos géneros musicales. Compuso unas 300 obras, tanto para orquesta, coro, instrumentos solos, vocal, electrónica y electroacústica. Impartió conferencias y conciertos en Europa, Norte América y Asia.También fue profesor de composición en la Universidad de Pensilvania en 1965, y en la Universidad Davis de California en 1966-67. Fundó y dirigió los Cursos de Nuevas Músicas de Colonia desde 1963 a 1968. Sus trabajos popularizaron el fenómeno de las vanguardias.
En 1971 fue nombrado profesor de composición del Conservatorio Nacional de Música, permaneciendo en el puesto hasta 1977. Los dos fundadores de “Kraftwerk”, salidos de la “Kunstakademie” de Dusseldorf, también estudiaron a Stockhausen.
Stockhausen

Jean-Jacques Perrey, ingeniero electrónico y músico que ideó, durante una prolongada estancia hospitalaria, un instrumento que sería precursor de los actuales sintetizadores.

Jean-Jacques Perrey tA

En los años 60Ennio Morricone y François de Roubaix aplicarían conceptos de música electrónica en películas tan importantes como: “Por un puñado de dólares”, en la que se daría a conocer Clint Eastwood.

Por_un_puñado_de_Dólares

En Enero de 1969Jean Michel Jarre, el hijo de Maurice Jarre-compositor de música para películas-, entra en el GRM de Schaeffer, tomando contacto así con la síntesis musical.

Jean-Michel_Jarre

En 1974 se acuña el término acusmática para referirse a una música entendida como un objeto de tres dimensiones que se adapta al entorno físico donde se reproduceFrançois Bayle introduce la música concreta en la informática en 1990, gracias a su invento, GRM Tools, unos plugins que nacieron de una aplicación standalone que estaba basada en la tarjeta DSP Audiomedia III de Digidesign. Más tarde, salieron versiones TDM de los procesadores y, progresivamente, los algoritmos mejoraron hasta poder realizar procesos en tiempo real.

 

 Así, pues, la música electrónica que hoy podemos disfrutar en los clubs, tiene unos orígenes que se remontan en el tiempo a más de cien años, siendo de interés para todo seguidor investigar sobre los inicios de esta fascinante Cultura. Las crónicas apuntan al grupo alemán Kraftwerk, en los años 70, como fuente inspiradora del movimiento, aunque anteriormente había un grupo de música experimental (que pocos nombran) llamado “Organisation” que fusionaba instrumentos de viento con aparatos tecnológicos, y del que posteriormente nacería Kraftwerk.
Kraftwerk
Adentrándonos en la Historia de la Música Electrónica, es irremediable nombrar a leyendas como Tangerine DreamFunkadelic o B´52´S. También es importante destacar la figura de Brian Eno, compositor de música electrónica experimental y precursor de la música “ambient”, o al grupo inglés Cabaret Voltaire.
No debemos olvidar la influencia de estas grandes mujeres pioneras en la Historia de la Música Electrónica. Enlazo a un excelente artículo del blog “Pijamasurf”.
Con todo este mar de interminables influencias, nacería lo que hoy consideramos “Música Techno”

Continuará…